Diálogos

Diálogos: Marc Ventosa

En este episodio de Diálogos, conversamos con Marc Ventosa, Head of Booking de Last Tour, sobre cómo se construye el cartel de un gran festival como el BBK Live y qué papel juega la figura del booker en la evolución de la industria musical. Con casi diez años de experiencia en la promotora, Ventosa ofrece una mirada clara y sincera sobre las decisiones creativas, estratégicas y logísticas que determinan el éxito de un evento musical. La charla repasa temas clave como la importancia de tener olfato y visión para descubrir talento, la creciente competencia por cerrar artistas con antelación, el papel de los festivales frente a los grandes shows en estadios y la necesidad de cuidar la experiencia del público más allá de los grandes nombres. Una conversación imprescindible para comprender cómo se equilibra la apuesta artística con la sostenibilidad de los festivales en un contexto cambiante, donde cada vez más, el verdadero protagonista es el propio festival. 

Encuentros

Encuentros: Juanto Tello

Encuentros

Encuentros: Raquel García

Encuentros

Encuentros: Paula Ráez

Encuentros

Encuentros: Paula Raez (Parte 3)

Hablar de sostenibilidad en los festivales ya no puede limitarse a un discurso estético o buenas intenciones. En esta conversación, Paula Raez —experta en sostenibilidad aplicada al sector cultural— desmonta las prácticas simbólicas para reivindicar una visión técnica, profesional y estructural del cambio. La sostenibilidad, afirma, no se improvisa: debe ser diseñada con precisión, gestionada con conocimiento y evaluada con honestidad.  Lejos de ser un simple complemento, integrar criterios sostenibles implica contar con equipos especializados, medir impactos reales y asumir una transformación profunda de los modelos de producción. A medida que las regulaciones europeas avanzan contra prácticas como el greenwashing, el pinkwashing o el impactwashing, los eventos culturales están llamados a rendir cuentas y justificar cada compromiso con datos, procesos y resultados concretos.  Avanzar hacia festivales realmente sostenibles requiere un cambio de mentalidad: dejar atrás las soluciones superficiales y apostar por procesos de mejora continua. Este episodio ofrece una mirada clara y realista sobre cómo la sostenibilidad puede convertirse en una herramienta transformadora, capaz de generar impacto positivo sin renunciar a la creatividad ni a la viabilidad del evento. 

Encuentros

Encuentros: Paula Raez (Parte 2)

La transformación sostenible de los festivales de música ya no depende únicamente de la voluntad de sus organizadores. En esta conversación, Paula Raez analiza cómo los criterios de financiación pública y privada están evolucionando para impulsar prácticas más responsables en el sector cultural. Cada vez más, subvenciones institucionales y patrocinios empresariales se vinculan a compromisos concretos en materia ambiental, social y de gobernanza.  Con la entrada en vigor de nuevas directivas europeas y leyes estatales como la de residuos o las normativas sobre igualdad de género, los festivales se enfrentan al reto —y la oportunidad— de adaptarse a un marco regulador en transformación. Esta evolución normativa obliga a integrar la sostenibilidad desde la planificación misma de los eventos. No se trata únicamente de una cuestión ética, sino de una exigencia estratégica: los proyectos que no incorporen estos enfoques corren el riesgo de quedar fuera de futuras convocatorias de apoyo.  Este episodio es una hoja de ruta para comprender cómo la sostenibilidad se convierte en un criterio determinante dentro del nuevo ecosistema cultural. Una reflexión imprescindible para promotores, gestores y agentes que quieran asegurar la viabilidad de sus proyectos en un escenario donde responsabilidad, innovación y financiación están cada vez más entrelazadas. 

Una conversación con...

Xcelencia en BIME Bogotá 2024

En esta conversación se plantea una pregunta clave para el momento actual de la industria musical: ¿qué significa concebir un álbum en la era de las nuevas tecnologías? Para abordar este interrogante, se invita a Gabriel Excelencia, artista que acaba de lanzar un proyecto innovador titulado El Niño Estrella. La propuesta se centra en el concepto de “álbum dinámico”, un formato que se aleja de la lógica tradicional del disco como producto estático y cerrado. La trayectoria de Gabriel se caracteriza por la búsqueda constante de formatos alternativos para lanzar su música, especialmente dentro del entorno de la Web3 y otras tecnologías emergentes. En lugar de seguir el ciclo estándar de promoción previa y lanzamiento digital convencional, ha optado por explorar maneras más vivas, interactivas y sostenibles de distribuir su trabajo. Este enfoque le ha permitido mantener una mayor conexión creativa con su proyecto y con sus audiencias. Aunque el resultado final sigue siendo un álbum en su sentido más musical, lo innovador está en el modo de producción, distribución y evolución del contenido. A través de este formato dinámico, el álbum no se presenta como un producto cerrado sino como una experiencia en proceso, abierta a transformaciones, colaboraciones y nuevas formas de circulación. Esta propuesta redefine el vínculo entre artista y público, abriendo caminos para repensar el álbum como obra expandida en la era digital.

Una conversación con...

Sofía Gaviria en BIME Bogotá

La conversación parte de una inquietud compartida por muchos sellos independientes: cómo establecer nuevas formas de diálogo con las audiencias a través de formatos innovadores. En este caso, se analiza la experiencia de Banfóra Records, un sello ubicado en Bogotá que comenzó enfocado en músicas tradicionales y folclóricas, con un fuerte apego al formato físico, especialmente el vinilo. Su evolución parte de una reflexión crítica sobre los modelos actuales de monetización en la música digital. Desde su fundación, Banfóra Records ha enfrentado el reto de sostener económicamente sus producciones, que requieren una inversión significativa pero no logran un retorno adecuado en plataformas de streaming. Esta disyuntiva les llevó a explorar caminos alternativos para garantizar sostenibilidad tanto para el sello como para los artistas. En ese proceso, surge el interés por los formatos digitales descentralizados, y particularmente por los NFTs, como una vía para otorgar propiedad real sobre activos digitales musicales. El enfoque adoptado combina investigación académica y experimentación práctica desde el sello. A través de esta línea de trabajo, identificaron que los NFTs permiten generar nuevas dinámicas de circulación y monetización de contenidos, creando oportunidades más equitativas para artistas independientes. Este giro hacia la tecnología representa un intento consciente de resignificar el valor de la música digital en un entorno donde los esquemas tradicionales ya no garantizan sostenibilidad.

Una conversación con...

Charlie Crowne en BIME Bogotá

Durante una charla en el marco de BIME Bogotá, Nicolás entrevista a Charlie Crowne,  que experimenta con modelos de suscripción en la industria musical. La conversación arranca con una reflexión sobre cómo las suscripciones pueden transformar la forma en que los artistas se conectan con sus audiencias. Los ponentes destacan que el modelo tradicional de membresías no siempre se ajusta a las necesidades reales de los músicos, quienes suelen trabajar por ciclos o temporadas que no necesariamente encajan con compromisos a largo plazo. Se propone un enfoque flexible, inspirado en modelos de otros sectores como los videojuegos o el deporte, donde las membresías se activan por temporadas concretas. Esto permite a los artistas lanzar suscripciones vinculadas a momentos específicos, como la promoción de un álbum o una gira, ofreciendo beneficios concretos y personalizados según la campaña. Este formato responde mejor a la realidad cambiante de la vida artística, permitiendo generar ingresos sostenibles sin forzar la continuidad de un modelo permanente. En la conversación también se subraya la importancia de identificar y nutrir a los “superfans”: seguidores que desean una conexión más directa y profunda con los artistas. Estos fans están dispuestos a pagar por experiencias exclusivas, acceso prioritario a contenidos o productos, y una mayor cercanía emocional con el proyecto musical. Frente a plataformas dominantes como Spotify, Instagram o TikTok —que limitan la interacción directa—, los modelos de suscripción por temporada aparecen como una alternativa más humana, personalizada y rentable para artistas independientes o en desarrollo.

Una conversación con...

Carmen Paez en Bime Bogotá 2024

El impacto de la Inteligencia Artificial generativa en la industria musical está provocando un profundo debate sobre su papel y sus implicaciones.   Por un lado, la IA generativa se presenta como una herramienta poderosa que puede ampliar las posibilidades creativas de los músicos. Pueden utilizar la IA para inspirarse, crear bocetos de canciones, o incluso producir composiciones completas.   Carmen Páez, Subsecretaria de Cultura del Gobierno de España,  nos cuenta que “la IA no deja de ser una nueva revolución tecnológica. Es una realidad en la que estamos. Ya está aquí. No deja de ser un instrumento al servicio de los creadores para poder expresarse”  Sin embargo, la capacidad de la IA para generar música que imita estilos y géneros específicos plantea cuestiones sobre los derechos de autor y la originalidad. ¿De quién es la obra creada por una IA? ¿Cómo se protegen los derechos de los artistas cuyos trabajos han sido utilizados para entrenar estos algoritmos? Estas preguntas están en el centro del debate sobre cómo regular la IA en la industria musical.  En este contexto, la legislación juega un papel crucial. Figuras como Carmen, abogan por una regulación que no solo se centre en las tecnologías, sino en cómo estas afectan a la sociedad y a los procesos creativos.  “Nosotros no estamos regulando las tecnologías, nosotros estamos regulando cómo la tecnología incide en la sociedad y en los procesos creativos. Nosotros tratamos de proteger a los ciudadanos”  El principio de transparencia, que obliga a informar sobre las obras utilizadas para entrenar la IA y a declarar cuando una obra ha sido creada por IA, es una medida que busca proteger tanto a los creadores como a los consumidores. Esta transparencia es esencial para mantener la confianza del público y asegurar que los artistas reciban el reconocimiento y la compensación adecuados por sus contribuciones.  En conclusión, Carmen Páez sostiene que es necesario un marco regulatorio adecuado que equilibre la innovación con la protección de los derechos de los creadores. La colaboración internacional y el consenso sobre las normativas serán clave para asegurar que la IA se utilice de manera ética y beneficiosa para todos los involucrados.  Así, el desafío reside en integrar la IA de manera que potencie la creatividad sin comprometer la integridad artística y los derechos de propiedad intelectual.