Elkarrizketak

Diálogos: Marc Ventosa

Diálogos saio honetako atal honetan, Marc Ventosa dugu solaskide, Last Tour-eko booking arduraduna, BBK Live bezalako jaialdi baten kartela nola osatzen den eta booker baten rola zein garrantzitsua den musika industriaren bilakaeran azaltzeko. Ia hamar urteko esperientziarekin, Ventosak ekitaldi musikal baten arrakasta baldintzatzen duten erabaki estrategiko, sortzaile eta logistikoen ikuspegi garbia eskaintzen du. Solasaldiak hainbat gai nagusi jorratzen ditu: talentua aurkitzeko ikusmena eta sena izatearen garrantzia, artistak lehenbailehen itxi beharraren lehia gero eta handiagoa, estadio handietako kontzertuen aurrean jaialdien papera eta ikus-entzuleen esperientziari arreta jartzeko beharra, izen handien gainetik ere. Gaur egungo testuinguru aldakorrean jaialdiaren jasangarritasuna eta eskaintza artistikoa nola uztartzen diren ulertzeko ezinbesteko elkarrizketa, non gero eta gehiago jaialdia bera bihurtzen den benetako protagonista. 

Topaketak

Encuentros: Juanto Tello

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Encuentros: Raquel García

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Encuentros: Paula Ráez

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Encuentros: Paula Raez (Parte 3)

Jaialdietako jasangarritasuna ezin da gehiago estetikara edo borondate onetara mugatu. Solasaldi honetan, Paula Ráez —kultura-sektoreko jasangarritasunean aditua— keinu sinbolikoak zalantzan jartzen ditu, eta aldaketa esanguratsu baterako ikuspegi tekniko, profesional eta egituratu baten alde egiten du. Bere esanetan, jasangarritasuna ezin da inprobisatu: zehaztasunez diseinatu, aditu-taldeekin kudeatu eta zintzotasunez ebaluatu behar da. Aukera osagarri bat izatetik urrun, praktika jasangarriak ezartzea talde espezializatuak, eraginaren neurketa erreala eta ekoizpen-ereduen eraldaketa sakona eskatzen duen prozesua da. Europako araudiak gero eta zorrotzagoak bihurtzen ari dira greenwashing, pinkwashing eta impactwashing bezalako jardunen aurrean, eta kultura-ekitaldiek benetako erantzukizuna erakusteko beharra dute: konpromisoak datuekin, metodologiekin eta emaitza zehatzekin bermatuta. Benetan jasangarriak diren jaialdi baterantz aurrera egiteko, pentsaera-aldaketa behar da — azaleko irtenbideak gaindituko dituen eta hobekuntza etengabea eta kontzientea besarkatuko duen aldaketa. Saio honek ikuspegi argi eta oinarritua eskaintzen du, jasangarritasuna tresna eraldatzaile bihurtu dadin, sormena edo bideragarritasuna arriskuan jarri gabe eragin positiboa sortzeko gai den tresna.

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Encuentros: Paula Raez (Parte 2)

Musika jaialdien eraldaketa jasangarria ez da jada borondate onaren kontua soilik. Solasaldi honetan, Paula Ráezek aztertzen du nola aldatzen ari diren finantzaketa publiko zein pribatuaren irizpideak kultura-praktika arduratsuagoak babesteko. Gero eta gehiago, erakunde publikoen dirulaguntzak eta enpresa babesletzak ingurumen-, gizarte- eta gobernantza-konpromiso zehatzekin lotuta daude. Europako zuzentarau berriak eta estatu-mailako legeria —Espainiako hondakinen kudeaketari eta genero-berdintasunari buruzko legeak barne— indarrean sartzearekin batera, jaialdiek araudi-aldaketa azkar horretara egokitzeko erronka eta aukera dute. Jasangarritasuna ekitaldiaren plangintza-fase hasieratik bertatik txertatu beharra dago. Jada ez da ikuspegi etiko hutsa —estrategia beharra bihurtu da. Printzipio horiek bere egiten ez dituzten proiektuek etorkizuneko finantzaketa aukeretatik kanpo gelditzeko arriskua dute. Saio honek bide-orri bat eskaintzen du ulertzeko nola bihurtzen ari den jasangarritasuna kultura-ekosistema berriaren funtsezko irizpideetako bat. Hausnarketa ezinbestekoa jaialdi-antolatzaile, kudeatzaile eta kultura-eragileentzat, euren proiektuen epe luzerako bideragarritasuna bermatu nahi badute ingurune arduratsu, berritzaile eta gero eta estuago lotuago batean.

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Xcelencia en BIME Bogotá 2024

n esta conversación se plantea una pregunta clave para el momento actual de la industria musical: ¿qué significa concebir un álbum en la era de las nuevas tecnologías? Para abordar este interrogante, se invita a Gabriel Excelencia, artista que acaba de lanzar un proyecto innovador titulado El Niño Estrella. La propuesta se centra en el concepto de “álbum dinámico”, un formato que se aleja de la lógica tradicional del disco como producto estático y cerrado. La trayectoria de Gabriel se caracteriza por la búsqueda constante de formatos alternativos para lanzar su música, especialmente dentro del entorno de la Web3 y otras tecnologías emergentes. En lugar de seguir el ciclo estándar de promoción previa y lanzamiento digital convencional, ha optado por explorar maneras más vivas, interactivas y sostenibles de distribuir su trabajo. Este enfoque le ha permitido mantener una mayor conexión creativa con su proyecto y con sus audiencias. Aunque el resultado final sigue siendo un álbum en su sentido más musical, lo innovador está en el modo de producción, distribución y evolución del contenido. A través de este formato dinámico, el álbum no se presenta como un producto cerrado sino como una experiencia en proceso, abierta a transformaciones, colaboraciones y nuevas formas de circulación. Esta propuesta redefine el vínculo entre artista y público, abriendo caminos para repensar el álbum como obra expandida en la era digital.

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Sofía Gaviria en BIME Bogotá

La conversación parte de una inquietud compartida por muchos sellos independientes: cómo establecer nuevas formas de diálogo con las audiencias a través de formatos innovadores. En este caso, se analiza la experiencia de Banfóra Records, un sello ubicado en Bogotá que comenzó enfocado en músicas tradicionales y folclóricas, con un fuerte apego al formato físico, especialmente el vinilo. Su evolución parte de una reflexión crítica sobre los modelos actuales de monetización en la música digital. Desde su fundación, Banfóra Records ha enfrentado el reto de sostener económicamente sus producciones, que requieren una inversión significativa pero no logran un retorno adecuado en plataformas de streaming. Esta disyuntiva les llevó a explorar caminos alternativos para garantizar sostenibilidad tanto para el sello como para los artistas. En ese proceso, surge el interés por los formatos digitales descentralizados, y particularmente por los NFTs, como una vía para otorgar propiedad real sobre activos digitales musicales. El enfoque adoptado combina investigación académica y experimentación práctica desde el sello. A través de esta línea de trabajo, identificaron que los NFTs permiten generar nuevas dinámicas de circulación y monetización de contenidos, creando oportunidades más equitativas para artistas independientes. Este giro hacia la tecnología representa un intento consciente de resignificar el valor de la música digital en un entorno donde los esquemas tradicionales ya no garantizan sostenibilidad.

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Charlie Crowne en BIME Bogotá

Durante una charla en el marco de BIME Bogotá, Nicolás entrevista a Charlie Crowne,  que experimenta con modelos de suscripción en la industria musical. La conversación arranca con una reflexión sobre cómo las suscripciones pueden transformar la forma en que los artistas se conectan con sus audiencias. Los ponentes destacan que el modelo tradicional de membresías no siempre se ajusta a las necesidades reales de los músicos, quienes suelen trabajar por ciclos o temporadas que no necesariamente encajan con compromisos a largo plazo. Se propone un enfoque flexible, inspirado en modelos de otros sectores como los videojuegos o el deporte, donde las membresías se activan por temporadas concretas. Esto permite a los artistas lanzar suscripciones vinculadas a momentos específicos, como la promoción de un álbum o una gira, ofreciendo beneficios concretos y personalizados según la campaña. Este formato responde mejor a la realidad cambiante de la vida artística, permitiendo generar ingresos sostenibles sin forzar la continuidad de un modelo permanente. En la conversación también se subraya la importancia de identificar y nutrir a los “superfans”: seguidores que desean una conexión más directa y profunda con los artistas. Estos fans están dispuestos a pagar por experiencias exclusivas, acceso prioritario a contenidos o productos, y una mayor cercanía emocional con el proyecto musical. Frente a plataformas dominantes como Spotify, Instagram o TikTok —que limitan la interacción directa—, los modelos de suscripción por temporada aparecen como una alternativa más humana, personalizada y rentable para artistas independientes o en desarrollo.

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Carmen Paez en Bime Bogotá 2024

El impacto de la Inteligencia Artificial generativa en la industria musical está provocando un profundo debate sobre su papel y sus implicaciones.   Por un lado, la IA generativa se presenta como una herramienta poderosa que puede ampliar las posibilidades creativas de los músicos. Pueden utilizar la IA para inspirarse, crear bocetos de canciones, o incluso producir composiciones completas.   Carmen Páez, Subsecretaria de Cultura del Gobierno de España,  nos cuenta que “la IA no deja de ser una nueva revolución tecnológica. Es una realidad en la que estamos. Ya está aquí. No deja de ser un instrumento al servicio de los creadores para poder expresarse”  Sin embargo, la capacidad de la IA para generar música que imita estilos y géneros específicos plantea cuestiones sobre los derechos de autor y la originalidad. ¿De quién es la obra creada por una IA? ¿Cómo se protegen los derechos de los artistas cuyos trabajos han sido utilizados para entrenar estos algoritmos? Estas preguntas están en el centro del debate sobre cómo regular la IA en la industria musical.  En este contexto, la legislación juega un papel crucial. Figuras como Carmen, abogan por una regulación que no solo se centre en las tecnologías, sino en cómo estas afectan a la sociedad y a los procesos creativos.  “Nosotros no estamos regulando las tecnologías, nosotros estamos regulando cómo la tecnología incide en la sociedad y en los procesos creativos. Nosotros tratamos de proteger a los ciudadanos”  El principio de transparencia, que obliga a informar sobre las obras utilizadas para entrenar la IA y a declarar cuando una obra ha sido creada por IA, es una medida que busca proteger tanto a los creadores como a los consumidores. Esta transparencia es esencial para mantener la confianza del público y asegurar que los artistas reciban el reconocimiento y la compensación adecuados por sus contribuciones.  En conclusión, Carmen Páez sostiene que es necesario un marco regulatorio adecuado que equilibre la innovación con la protección de los derechos de los creadores. La colaboración internacional y el consenso sobre las normativas serán clave para asegurar que la IA se utilice de manera ética y beneficiosa para todos los involucrados.  Así, el desafío reside en integrar la IA de manera que potencie la creatividad sin comprometer la integridad artística y los derechos de propiedad intelectual.