Elkarrizketak

Diálogos: Judeline y Mar Rojo

Judeline artista eta Mar Rojo bere managerra —eta Las Olas agentziaren zuzendaria— elkarrizketa hurbil eta inspiratzaile batean aritzen dira, non azaldu duten nola sortu zen euren arteko harreman profesional eta pertsonala. Rosalíaren kontzertu batean izandako elkarrizketa batek abiatu zuen bidaia hau, eta gaur egun arteko lankidetza sendo bihurtu da, Coachella bezalako agertokietara iritsi dena. Musika-industriako erronka batzuk ere jorratzen dituzte: kolaboratzaile ugariko disko batean kredituak antolatzea, eskubideen kudeaketa, sormen-prozesuaren babesa eta pertsonaren gainetik ez pasatzea. Marek nabarmendu du garrantzitsua dela artistarekin harreman humanoa mantentzea, eta Judelinek aitortu du behar zuela norbait profesionalki lagunduko ziona, "haziko zuen figura bat". Elkarrizketak nortasun artistikoa, konfiantza emozionalaren garrantzia eta arrakastarekiko ikuspegiak ere jorratzen ditu. Bien esperientziak erakusten digu ibilbide sendoak zaintzaz, intuizioz eta etorkizunera begirako ikuspegi partekatu batetik eraikitzen direla.  

Ondarea

Legado: Editor puro vs nuevas formas de recaudar derechos

Aurrez aurreko honetan, bi paradigma talka egiten dute musika edizioaren munduan. "Editore Puroa" tradizioa eta eskubide musikalak kudeatzeko bikaintasuna ordezkatzen du, eta "Eskubideak Biltzeko Modu Berriak" berrikuntza bideak aztertzen dituzte, artistaren irabaziak maximizatzeko aro digitalean. Zein izango da etorkizuneko musika industriaren bidea? HEMEN HITZALDI OSOA

Topaketak

Encuentros: Juanto Tello

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Encuentros: Juanto Tello (Parte 3)

En el tercer episodio de esta serie dedicada al oficio de la supervisión musical, Juanto Tello nos habla de una dimensión menos calculada pero profundamente creativa de su trabajo: el hallazgo intuitivo. A veces, la canción adecuada no surge tras horas de búsqueda, sino en los momentos más inesperados —en un vagón de metro, en un bar o mientras suena de fondo en una tienda—. Para Tello, esta capacidad de mantener la escucha activa en la vida cotidiana es una herramienta tan valiosa como el conocimiento técnico o la estrategia de negociación.  El episodio también revela cómo las series se han convertido en un motor inesperado de visibilidad para artistas emergentes. En una industria donde es difícil sonar en las grandes radios, las plataformas audiovisuales permiten que una canción llegue a millones de oyentes a través de una sola escena. Su trabajo en series como Entrevías demuestra que, con criterio artístico y sensibilidad narrativa, es posible sincronizar temas de artistas aún desconocidos y ofrecerles una proyección global sin precedentes.  Este enfoque no solo enriquece las producciones audiovisuales, sino que también transforma el proceso de creación musical en una oportunidad colectiva. Elegir una canción no es solo una decisión estética, sino una apuesta por dar voz a nuevas generaciones de artistas y ampliar los márgenes de lo que la música puede aportar a una historia. 

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Encuentros: Juanto Tello (Parte 2)

Juanto Tello nos adentra en los desafíos creativos y estratégicos de seleccionar música para una serie, con especial atención a momentos clave como las cabeceras. Estas piezas, presentes en todos los episodios, deben encapsular el tono, la emoción y la estética del proyecto. Una buena cabecera no solo acompaña: marca un imaginario, como en El Embarcadero o Narcos, donde la música se volvió un elemento narrativo central.  Tello también revela la cara menos visible de su labor: las negociaciones para licenciar canciones. Desde los derechos editoriales hasta los fonográficos, cada operación es única y a menudo impredecible. Casos como Days Like This de Van Morrison o los intentos de usar temas de AC/DC demuestran que no existen tarifas estándar; los factores emocionales, económicos y personales influyen tanto como los creativos.  Este segundo episodio profundiza en una profesión que requiere intuición artística, conocimiento técnico y capacidad de negociación. Una figura clave en la cadena de valor de la creación audiovisual, que transforma la música en un vehículo narrativo de alto impacto. 

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Encuentros: Juanto Tello (Parte 1)

Juanto Tello, supervisor musical en el ámbito audiovisual, nos sumerge en el delicado arte de escoger la canción perfecta para cada escena. Su trabajo no solo consiste en elegir música, sino en interpretar emocionalmente un guion y traducirlo en sonidos que potencien su narrativa. Una secuencia puede volverse inolvidable gracias a una canción adecuada que, lejos de ser decorativa, se convierte en parte esencial del relato.  Este proceso exige un conocimiento musical amplio y transversal, que abarca desde tendencias actuales hasta piezas clásicas. Pero también implica una gestión precisa de derechos y licencias, que permite que la música llegue a pantalla de forma legal y en tiempo récord. Así, la supervisión musical se revela como un oficio híbrido que combina sensibilidad artística, cultura enciclopédica y solvencia técnica.  Este episodio reivindica una figura clave en el ecosistema creativo, capaz de unir mundos tan distintos como el de la narración audiovisual y la música grabada, desde una visión profundamente colaborativa. 

Solasaldia...

Xcelencia en BIME Bogotá 2024

n esta conversación se plantea una pregunta clave para el momento actual de la industria musical: ¿qué significa concebir un álbum en la era de las nuevas tecnologías? Para abordar este interrogante, se invita a Gabriel Excelencia, artista que acaba de lanzar un proyecto innovador titulado El Niño Estrella. La propuesta se centra en el concepto de “álbum dinámico”, un formato que se aleja de la lógica tradicional del disco como producto estático y cerrado. La trayectoria de Gabriel se caracteriza por la búsqueda constante de formatos alternativos para lanzar su música, especialmente dentro del entorno de la Web3 y otras tecnologías emergentes. En lugar de seguir el ciclo estándar de promoción previa y lanzamiento digital convencional, ha optado por explorar maneras más vivas, interactivas y sostenibles de distribuir su trabajo. Este enfoque le ha permitido mantener una mayor conexión creativa con su proyecto y con sus audiencias. Aunque el resultado final sigue siendo un álbum en su sentido más musical, lo innovador está en el modo de producción, distribución y evolución del contenido. A través de este formato dinámico, el álbum no se presenta como un producto cerrado sino como una experiencia en proceso, abierta a transformaciones, colaboraciones y nuevas formas de circulación. Esta propuesta redefine el vínculo entre artista y público, abriendo caminos para repensar el álbum como obra expandida en la era digital.

Elkarrizketak

Diálogos: Thais Ruiz y Marina Manica

La inteligencia artificial ya no es una promesa futura, sino una realidad que está redefiniendo la forma en que se crea, distribuye y experimenta la música. En esta conversación imprescindible, Thais Ruiz de Alda y Marina Manica abordan el impacto transformador de la IA en la industria musical, destacando su potencial para empoderar a los artistas y democratizar el acceso a herramientas avanzadas. El episodio presenta Wolfie, una plataforma de IA pensada para apoyar a creadores independientes en la gestión de derechos, la promoción y la generación de contenido. Pero el enfoque va más allá de la tecnología: se debate sobre la necesidad de construir sistemas que respeten la creatividad humana, protejan los datos personales y fomenten una perspectiva diversa e inclusiva. La IA se muestra no como un sustituto, sino como una extensión de las capacidades artísticas y profesionales de quienes hacen música. Este contenido nos invita a repensar el vínculo entre música y tecnología desde una mirada ética, crítica y colaborativa. En un momento en el que el avance digital es imparable, el verdadero reto está en cómo usamos estas herramientas para construir una industria más justa, plural y consciente. Una reflexión clave para entender hacia dónde se dirigen los procesos creativos en la era de la inteligencia artificial. 

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Diálogos: Scott Cohen

Scott Cohen, CEO de JKBX y figura clave en la innovación de la industria musical, analiza cómo el contenido generado por usuarios está transformando por completo el modelo de negocio del sector. A través de una conversación reveladora y profundamente conectada con los desafíos actuales, Cohen explica por qué vivimos un momento sin precedentes para los artistas: un escenario donde la creación está más democratizada que nunca, pero en el que la monetización y la gestión de derechos continúan siendo grandes desafíos. Este episodio se adentra en el cruce entre música, tecnología y cultura digital: desde el crecimiento exponencial de plataformas con contenido generado por usuarios, hasta el papel emergente de la inteligencia artificial en la creación y distribución musical. En un entorno donde la adaptabilidad es clave, Cohen propone nuevas formas de pensar la industria desde una lógica transversal que conecta creatividad, datos, audiencias y herramientas digitales. Más que una transformación estética, lo que vivimos es un cambio estructural en la forma de generar valor en la música. Esta conversación es una guía imprescindible para comprender cómo la innovación tecnológica y los nuevos modelos de consumo están redefiniendo los márgenes —y las oportunidades— del ecosistema musical. Un contenido fundamental para quienes buscan anticiparse al futuro de la industria desde una mirada conectada, estratégica y creativa. 

Elkarrizketak

Diálogos: Elijah

Adéntrate en el universo cambiante de la música underground de la mano de Elijah, cofundador del legendario sello Butters o creador de la iniciativa viral “Yellow Square”. Con una mirada crítica y comprometida, Elijah nos guía por una trayectoria donde la independencia creativa, la innovación estética y el arraigo comunitario se entrelazan para construir un nuevo modelo cultural alejado de los cauces tradicionales de la industria.  A través de iniciativas que combinan lo presencial y lo digital, Elijah demuestra que la comunidad sigue siendo el motor fundamental de la música independiente. Esta conversación revela cómo artistas, productores y audiencias han tejido redes de apoyo mutuo que permiten sostener y expandir escenas al margen de los modelos tradicionales. Gracias a la acción colectiva, géneros como el underground han pasado de ser ignorados por la industria a convertirse en movimientos culturales con impacto global.  En BIME siempre hemos creído en la importancia de fomentar la colaboración y el intercambio de ideas para fortalecer la industria musical. Este episodio no solo ofrece claves sobre la evolución de la música underground, sino que también inspira nuevas formas de entender el trabajo comunitario como herramienta creativa y de sostenibilidad. Una historia sobre cómo la autenticidad y el pensamiento colectivo siguen marcando el futuro de la música.